|
|
|
|
|
|
Master of the
Modern Horror Film... og mere til
Af CLAUS TOFT-NIELSEN
Vi anmelder denne gang antologien The Cinema of
John Carpenter - The Technique of Terror, hvor instruktøren
John Carpenter vurderes og analyseres fra en række forskellige
vinkler. Antologien kommer vidt omkring men formår ikke for
alvor at nuancere billedet af den alsidige og produktive amerikaner.
Carpenter og genrefilmen
Man kender ham bedst fra horror, John Carpenter. Film som
The Fog (1980), The Thing (1982), Christine (1983)
og en hel del flere har været med til at skabe billedet af manden
som en decideret horrorfilmsinstruktør. Det var med Halloween
(1978) - een af de mest profitable independent film nogensinde - han
slog sit navn fast. Filmen affødte syv sequels, utallige imitationer
og igangsatte en bølge af slasher-film. Men kigger man hans samlede
filmoeuvre nærmere efter i sømmene, vil man opdage, at kun ca. halvdelen
er rene horrorfilm. Den resterende del består af så forskellige genrer
som science fiction, thrilleren, romance, krimien, the music bio-pic,
action og martial artsfilm. Som en del af the new Hollywood,
en gruppe instruktører der opstod i begyndelsen af 1970'erne, havde
han et indgående kendskab til de genrefilm som blev skabt under Hollywoods
studiesystem i 40'erne og 50'erne. Dette kendskab har sat sit aftryk
i Carpenters produktion; hans film er spundet over tydelige genremønstre,
hvor fokus er på den plot- og karakterdrevne fortælling og ofte med
klare referencer til klassiske instruktører som Hitchcock og Hawks. |
|
The Cinema of John Carpenter - The
Technique of Terror, (2004).
Halloween: Monsteret Meyers
på vej til at slå storesøster ihjel.
|
|
|
|
|
|
|
|
Det er denne genremæssige ramme om alle Carpenters
film, som danner udgangspunkt for antologiens fem første kapitler.
Her kan man læse om hvordan Carpenter er en af de få, hvis ikke
den eneste, nutidige amerikanske instruktør, der arbejder både konsistent
og solidt inden for etablerede genrer. Brian Keith Grant eftersporer
i antologiens første kapitel et gennemgående motiv i Carpenters
film, som ligeledes findes i Hawks': Nemlig en kritisk social og
politisk bevidsthed. Trods de åbenlyse ligheder Hawks' og Carpenters
film imellem, så argumenterer Brian Keith Grant for, at Carpenter
har en skarpere social og politisk kant end Hawks. Grant sammenligner
Hawks' The Thing From Another World (1951) med Carpenters
remake af samme, The Thing. I Hawks film forsones gruppens
indbyrdes uoverensstemmelser i det endelige opgør med rumvæsenerne,
der besejres gennem traditionel amerikansk know-how: Filmen slutter
med en "keep whatching the sky"-morale, hvor menneskeheden er forenet
i kampen mod det fremmede. Carpenter, derimod, abonnerer ikke på
denne forening til slut, men lader sin film slutte med billedet
af MacReady og Childs, en hvid og en sort mand, begge bevæbnet og
dybt mistroiske over for hinanden, placeret i hver sin ende af det
brede widescreen-lærred, alt imens deres lejr langsomt brænder ned.
Herved kommer titlen The Thing ikke blot til at referere
til rumvæsnet, men også til racespørgsmålet - begge forbliver uafklarede
ved filmens slutning.
Antologiens næste kapitler eftersporer belejringsmotivet i 4 af
Carpenters film - Assault on Precinct 13 (1976), Halloween,
The Fog og The Thing. Analyserne fokuserer mest på hvordan
forestillingen om "the Other" er repræsenteret i filmene. Kerneteksten
her, som i mange af antologiens øvrige kapitler, er the grand
old man Robin Woods indflydelsesrige essay "An Introduction
to the American Horror Film", hvor en hovedpointe er, at samfundets
fortrængte områder altid vil dukke op igen som "the return of the
repressed". Det fortrængtes genkomst antager i Carpenters film en
række forskellige former - lige fra det tydelige dæmoniserede spøgelsesskib
som dukker frem af tågen i The Fog til de navnløse bandemedlemmer
i Assault on Precinct 13. Pointen er, at denne genkomst i
Carpenters film ikke altid er så let at isolere og sætte mærkat
på, hvorved genrekonventionerne udfordres og en entydig læsning
af filmene ikke altid er så lige til.
Synthesizer og widescreen
David Burnand og Miguel Mera tager i fjerde kapitel fat på et
mindre kendt og ofte overset aspekt ved Carpenters filmproduktion;
filmmusikken, som Carpenter i de fleste tilfælde selv har komponeret.
Begge forfattere underviser i filmmusik og det kan læses. Selvom
de ikke mener Carpenters musik er specielt sofistikeret, frembringer
deres meget detaljerede analyser fine pointer. Helt overordnet trækker
Carpenter kraftigt på musikken og lydeffekterne fra 1950'ernes science
fictionfilm. Den gennemtrængende synthesizer-musik, som er gennemgående
i en række af Carpenters film har, ifølge forfatteren forskellige
konnotationer: I Halloween anvendes den bl.a. da Judith skal
til at have sex med sin kæreste, da Michael ser sin søster nøgen
og efterfølgende når monsteret Michael er i nærheden. Musikken knytter
an til kvindeskrig og bliver den forklaringstråd, det psykologiske
link mellem sex og mord som forklarer hvorfor Michael bliver et
monster. I Escape from New York (1981) anvendes synthesizermusikken
sammen med en række lydeffeker og en underliggende bassline, der
lyder som hjerteslag. Effekten bliver derfor et hypnotisk soundscape,
som Carpenter kan bruge til at manipulere sit publikum med.
Manipulationen af publikum er også udgangspunktet for det korte,
men spændende næste kapitel: Sheldon Halls analyse af widescreen-formatet
hos Carpenter. Her kan man læse om Hollywoods modtagelse af CinemaScope
i 1953 og frem, komplet med forskellige instruktørers syn på og
anvendelse af formatet. Det er interessant, at de to instruktører
Carpenter oftest nævner og beundrer - Hitchcock og Hawks - ikke
brød sig om 2.35:1-aspektet. Desuden argumenterer Hall for, at det
er Hitchcock og ikke Hawks Carpenter mest er i æstetisk ånd med.
Begge deler de samme syn på filmen som pure cinema: "that
is, purely cinematic storytelling, visual (and sonic) narration
rather than 'photographs of people talking'" (p. 70). Foruden en
klar historisk og æstetisk gennemgang af de forskellige formaters
muligheder laver Hall en grundig næranalyse af Halloween
og viser, hvordan Carpenter til fulde anvender det manipulatoriske
potentiale ved full widescreen-aspektet.
Følgende to kapitler bringer fokus på forholdet mellem instruktøren
og hans publikum. Marie Mulvay-Roberts sporer elementer af det gotiske
i en lang række af Carpenters film. Specielt forestillingen om det
monstrøse fungerer i Prince of Darkness (1987), The Thing
og In the Mouth of Madness (1995) som en opløsningstendens
af dels kroppen (bodyhorror) og dels grænserne mellem fiktion og
virkelighed, mellem publikum og filmen på en måde der fint går i
spænd med den gotiske genre og de følelser af paranoia og terror,
der knytter sig hertil. Hun binder fint horrorfilmens tradition
sammen med den litterære samme og trækker klare linier mellem de
to medier. Ian Conrich ser forholdet mellem instruktør og publikum
fra en anden vinkel, idet han diskuterer hvilken påvirkning film
som Halloween og The Thing havde på publikum. Med
udgangspunkt i det amerikanske fanzine Fangoria (www.fangoria.com) undersøger
Conrich hvordan hardcore horrorbuffs, uafhængigt af anmeldere og
den brede offentlighed, øjnede filmenes forskellige kvaliteter og
ivrigt (og meget nørdet) igangsatte en "Jason versus Michael"-debat
på nettet. |
|
The Thing: Paranoiaen begynder
at indfinde sig i den lille gruppe.
Assault on Precinct 13: En politistation
under belejring af ustoppelige bandemedlemmer.
Trods bandemedlemmernes overvældende
antal kan de overvindes med et solidt håndvåben.
The Fog: En dræbertåge
indeholder zombie-lignende spøgelser som vil have hævn.
Father Malone møder sit endeligt
og hævnen er komplet.
Prince of Darkness.
The Thing: Grumme og grimme ting
fra det ydre rum.
|
|
|
|
|
|
|
|
Maskulinitet og mødre
Hvis man syntes at Kurt Russel i stramtsiddende slangeskindsbukser
og med klap for øjet i Escape from New York og Escape
from L.A (1996) er en lille smule morsom, en lille smule over
the top som den antiautoritære Snake Plissken (alene navnet!)
- ja så er man ikke helt ved siden af. Robert Shail går i ottende
kapitel i kødet på Kurt Russels skuespil, der ifølge forfatteren
rummer en hel del selvbevidsthed i de mange parodier af den traditionelle
maskuline helterolle. Shail ser Russel som Carpenters filmiske alter
ego, på samme måde som Clint Eastwood var det for Don Siegel og
John Wayne for John Ford. I Russels helteroller finder forfatteren
en lang række referencer til og parodier på især John Wayne
i Fords The Searchers (1956) og Clint Eastwood i de mange
Dirty Harry-film. Pointen er, at Russel som skuespiller kobler sig
på og udlever den mørke side af de helteroller der fandtes inden
for den klassiske Hollywood-ideologi.
Modstykket til den maskuline og potente helterolle er de moderfigurer
der, ganske overset, ofte findes i Carpenters film. Disse er udgangspunktet
for Suzie Youngs artikel, hvor hun diskuterer forholdet mellem mor
og søn i Carpenters film. Hun sporer en udvikling fra en forholdsvis
entydig mor-søn-relation i de tidlige film, til en mere kompleks
og farlig kvindelighed i de senere. Således skal film som Christine
(1983), Prince of Darkness og In the Mouth of Madness
indeholde eksempler på den den psykoanalytisk inspirerede figur
Barbera Creed med stor gennembrudskraft lancerede som "the monstrous
feminine" - en kvindelighed som både tiltrækker og frastøder både
vores mandlige helt og publikum. Og selvom det ofte er mændene som
udkæmper slagene i Carpenters film, så er det i øvrigt kvinderne
(oftest moderfigurer) som leder dem. Samme tre film er udgangspunktet
for Anna Powells redegørelse af, hvad hun kalder for Carpenters
pessimisme: Alle tre film tilbyder en tilsyneladende happy ending,
hvor heltene hver især overvinder en okkult kraft og undslipper
det onde. Men denne slutning er umiddelbart undermineret af en ironisk
coda, som mere end antyder, at det onde vil vende tilbage. Dette
kapitel er for mig at se en genskrivning af præcis samme pointer
som Robin Wood fremfører i ovennævnte essay, blot overført på Carpenters
film.
Sidste kapitel i antologien er en opsamling på meget af de foregående
kapitler: Carpenters gennemgående brug af genrer, graden af selvrefleksivitet
i hans film og ikke mindst den kritiske sociale, politiske og kulturelle
bevidsthed mange af mandens film indeholder. Raiford Guins og Omayra
Zargoza samler det mest under, hvad de betegner som Carpenters kreative
nostalgi. Forfatterne ser, i Carpenters senere film, en stigende
tendens til, at filmene mere og mere omhandler en undersøgelse af
selve de genremæssige rammer filmene udspiller sig indenfor: Med
film som Body Bags (1993), In the Mouth of Madness
og tydeligst i Vampires (1998) har Carpenter nået en forståelse
af, at genrefilmen nødvendigvis må bygge på gentagelser og remakes.
Men det specielle ved Carpenter er, at han stadig laver genrefilm,
der styrer fri af postmodernistiske genrefilm som eks. Wes Cravens
Screem-trilogi (1996, 1997 og 2000). Her ligger, ifølge
forfatterne, Carpenters egentlige talent: Hans indsigt i genren
og i de konventioner man ikke slipper uden om og ikke mindst måden
hvorpå han anvender disse konventioner uden at forråde det kritiske
engagement hans film altid har.
Bogen slutter med et kort men meget informativt interview med
manden selv, hvor man kan blive klogere på hans syn på filmindustrien
generelt, de politiske og ideologiske temaer og motiver i filmene,
brugen af musik og selvfølgelig hans forståelse af genrefilmens
styrker og svagheder.
Funger bogen så efter hensigten? Både ja og nej. Forfatterne påpeger
allerede i forordet, at Carpenter er meget mere end blot en horrorfilminstruktør,
men alligevel fokuserer over halvdelen af bogens kapitler på netop
film og temaer indenfor denne genre. Og når forfatterne nu har frit
slag hvad angår film fra Carpenters samlede produktion, så er det
en skam, at det er de samme fem-seks film hovedparten af kapitlerne
vælger at beskæftige sig med. Herved kommer bogen (ufrivilligt?)
til at bekræfte, hvad den i forordet fornægter: For det første,
at Carpenter er mest kendt for sine horrorfilm og for det andet,
at det bestemt ikke er alle instruktørens film, der er lige interessante.
Men når det så er sagt, så formår bogen at give et spændende billede
af Carpenters samlede oeuvre, med en klar sammenhæng de mange
kapitler imellem. Og så er det en rasende god idé at vægte
de forskellige kapitler på en sådan måde, at man som læser både
præsenteres for Carpenter som både en auteur og en dreven
genrehåndværker. "If, as the editors hope, this book gives the reader
cause to re-examine his or her understanding of Carpenter's work,
it will have served its purpose" (p. 8). Til dette må man svare
ja. |
|
Escape from New York.
Slangeskindshelten Plissken finder sig
ikke i autoriteter.
Vampires: På tærsklen til
det nye årtusind dukker vampyrer atter op for at mæske
sig i udødelighedens nektar: menneskeblod. Vampyrjægerne
Team Crow tror sig vindere a kampen, men på motellet med det
yderst symbolske navn Sungod, vender vampyrerne tilbage.
In the Mouth of Madness: Når
fiction bliver til virkelighed – pas på med hvad du
læser.
|
|
|
|
|
|
|
|
Faktaboks
Conrich, Ian & Woods, David (eds.): The
Cinema of John Carpenter - The Technique of Terror,
Wallflowe Press, London, 2004.
Kan købes på forlagets hjemmeside: www.wallflowerpress.co.uk til £15.99.
Creed, Barbera: "Horror and the Monstrous-Feminine:
An Imiginary Abjection" In: Screen, vol.27, no.1,
jan-feb. 1986, pp.45 ff.
Wood, Robin: "An Introduction to the American Nhorror
Film", in: Wood & Lippe (eds.) The American Nightmare:
Essays on the Horror Film, Toronto: Festival of
festivals, 1979, p. 7-28 |
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
forrige side | næste
side |
|
|
|
|
|
|
|